Симберг, Хуго: биография

Симберг не любил разъяснять символику своих произведений, и они остаются открытыми для интерпретаций.

Большая часть сохранившихся произведений Симберга — графические работы. Подавляющее большинство его произведений находится в Финляндии, многие в музеях Хельсинки и Тампере. Самое большое собрание его работ принадлежит Национальной галерее Финляндии (галерея Атенеум).

Творчество

В конце XIX века в финской живописи начался процесс отхода от академической традиции. Одна из ветвей, повторяя эволюцию Поля Гогена и понт-авенской школы, следовала по пути символизма и модернизма, ориентируясь на искусство раннего («примитивного») Возрождения и готики, а также на традиционные культуры. Главным представителем этого течения в Финляндии был Аксели Галлен-Каллела, у которого учился Хуго Симберг.

Уже в ранних работах художника видны черты примитивизма, которые позже развиваются и становятся важной частью его творчества. Ранние малоформатные работы Симберга напоминают иллюстрации к средневековым рукописям. Они появились как раз в то время, когда он учился у Галлен-Каллела. Последний работал в конце 1890-х годов в основном над большими композициями, посвящёнными эпическим мотивам. Эти темы совершенно не интересовали Симберга, и он взял у учителя в первую очередь простоту произведений и изображение природы как источник вдохновения. Первыми его произведениями, созданными в Руовеси, были гуаши, изображающие мороз и осень. По настоянию Галлен-Каллела Симберг позже создал варианты этих же произведений в темпере, так как темпера придавала картинам архаический характер, напоминавший о старых мастерах.

Несмотря на существенное влияние, которое на Симберга оказали различные мастера, в первую очередь Галлен-Каллела, Бёклин и Магнус Энкель, он никогда не пытался им подражать или копировать их стиль. Более того, творчество художника сугубо индивидуально и не похоже ни на одного из этих художников. Так, например, в произведениях Галлен-Каллела смерть однозначно является трагедией, и картины, изображающие её, как, например, триптих «Айно», полны драматизма. В картинах Симберга же смерть является просто одним из персонажей и воспринимается гораздо легче, скорее как попутчик и утешитель. Творчество Симберга прежде всего сравнивают не с Галлен-Каллела или Бёклином, а с мистиками и визионерами — английским поэтом и художником Уильямом Блейком и рано умершим шведским художником Иваром Аросениусом.

Основной чертой, проходящей через всё творчество Хуго Симберга, является многоплановость и символичность его образов. Его произведения полны образами ангелов и дьяволов, многократно изображены жизнь и смерть в различных образах. Два излюбленных его персонажа — чёрт и смерть. Когда в работах Симберга появляются люди, это часто дети, так как они ещё не утратили контакта с природой и могут наиболее непосредственным образом выразить даже сложные идеи. В творчестве Симберга развился мистический символизм, выражавшийся в одушевлении природы, представлении её в гротескной форме, очаровании идеей зла и человеческой трагедии.

«Раненый ангел»

«Раненый ангел» — самая известная картина Симберга. Она сыграла существенную роль в признании его как заметного явления в финской живописи.

Хуго Симберг создал эту картину после выхода из больницы в 1903 году. На ней изображены два мальчика, несущие ангела на носилках. Пейзаж намеренно сделан суровым и печальным, но умиротворённым. Картина может символизировать, зависимости от интерпретации, как земное начало, помогающее духу, так и дух, утопающий в земном начале.

На самом простом уровне понимания картина символизирует детскую невинность. Второй план состоит из чувств художника, возвращающегося к жизни после тяжёлой болезни. Здесь жизнь и идеалы смешаны с близостью смерти и эфемерностью живого. Тёмные костюмы мальчиков могут быть также поняты как символ смерти. Один из мальчиков повернулся к зрителям, давая им понять, что темы жизни и смерти имеют к ним прямое отношение.

«Сад смерти»

Одним из излюбленных сюжетов Симберга был «Сад Смерти». Художник выполнил это произведение в нескольких вариантах, из которых наиболее известны акварель 1896 года в галерее Атенеум и фреска в кафедральном соборе Тампере (1904—1906). Фигуры Смерти (три скелета в чёрных одеяниях), намеренно плоские, заняты в чистилище сортировкой человеческих душ-растений. Произведение стилизовано почти до примитивизма. Сюжет акварели восходит к средневековой традиции, а примитивный стиль должен напоминать о работах мастеров готики. Сухой жёлтый песок окружает сад и создаёт фон для акварели (в варианте фрески жёлтый цвет существенно разбавлен зелёным). Человеческие души изображены в виде растений, нуждающихся в постоянном уходе, а сад представлен как место, где смерть может выразить свои чувства. По одной из интерпретаций, смерть является другим лицом любви, а цветы столь хрупки, что не могут выдержать воздействия этого чувства.